suzy의 노트

클로에 자오의 2020년 영화 노매드랜드 는 단순히 경기 침체 이후 미국에서 경제적 박탈을 겪는 사람들의 조용한 초상을 담은 작품이 아닙니다. 이 영화는 동시에 독립, 회복력, 그리고 자기 발견의 힘에 대한 깊이 있는 개인적 탐구입니다. 이야기의 중심에는 프랜시스 맥도먼드가 놀라운 깊이로 연기한 주인공 펀(Fern)이 있습니다. 그녀의 여정은 전통적 기대를 벗어난 삶을 선택할 때 마주하는 도전과 자유를 드러냅니다. 특히 여성들에게 노매드랜드 는 21세기 독립의 의미를 되새기게 하는 감동적인 반영을 제공합니다. 관습을 넘어선 여성의 여정 펀은 전형적인 반항아가 아닙니다. 그녀는 60대의 미망인으로, 네바다주 엠파이어에 있던 석고 공장의 폐쇄 이후 삶의 기반을 잃게 됩니다. 절망이나 의존 속에 머무르지 않고, 그녀는 밴에서 사는 삶을 받아들이며 현대의 유랑 공동체에 합류합니다. 그녀의 선택은 실용적이면서도 상징적입니다. 실용적인 이유로는 지출을 줄이고 존엄을 지키며 살아가기 위함이고, 상징적인 이유로는 안정과 성공이 반드시 주택 소유, 장기 고용, 가족 역할에 묶여야 한다는 뿌리 깊은 믿음에 도전하기 때문입니다. 특히 오랫동안 돌봄과 가사 노동에 묶여 있던 여성들에게 펀의 선택은 자율성의 선언으로 울려 퍼집니다. 회복력으로서의 독립 영화는 독립을 화려함이 아닌 회복력으로 그려냅니다. 펀은 아마존 창고, 사탕무 수확, 캠프장 관리 등 계절 노동을 전전합니다. 이러한 장면들은 고된 육체 노동의 현실을 보여주면서도, 역경에 굴하지 않는 그녀의 태도를 드러냅니다. 역사적으로 독립은 흔히 남성의 모험—카우보이, 개척자, 탐험가—로 그려져 왔습니다. 그러나 노매드랜드 는 독립을 여성의 생존과 조용한 강인함으로 다시 정의합니다. 펀의 고독은 버려지거나 실패했기 때문이 아니라, 자신의 삶을 스스로 개척하려는 용기에서 비롯됩니다. 이 영화는 독립을 새로운 시각으로 보게 합니다. 독립은 단지 의무에서 벗어나는 것이 아니라, 불안정, 외로움, 취약함을 견디면서도 자기...

영화 플로렌스 포스터 젠킨스 (2016)는 스티븐 프리어스 감독이 연출하고 메릴 스트립과 휴 그랜트가 주연을 맡은 작품으로, 노래 실력이 부족했음에도 불구하고 오페라 가수가 되기를 꿈꾼 한 부유한 사교계 여인의 삶을 다루고 있습니다. 하지만 이 영화는 단순히 엉뚱한 코미디 전기 영화에 머물지 않습니다. 웃음과 유쾌함 뒤에는 자기수용, 열정 추구, 그리고 불완전함을 받아들이는 힘이라는 깊은 메시지가 숨어 있습니다. 이 작품은 관객들에게 재능, 성공, 그리고 진정한 성취의 의미에 대해 다시 생각하게 만듭니다. 플로렌스 포스터 젠킨스의 삶 소개 플로렌스 포스터 젠킨스는 20세기 초 뉴욕의 실제 상속녀로, 뛰어난 실력보다는 음정이 맞지 않는 오페라 공연으로 유명해졌습니다. 그녀는 음악적 기술은 부족했지만, 음악에 대한 확고한 자신감과 열정을 가지고 있었습니다. 메릴 스트립은 플로렌스의 매력과 취약함을 동시에 표현해냈고, 휴 그랜트는 그녀를 비웃음으로부터 보호하기 위해 헌신하는 파트너, 세인트 클레어 베이필드를 연기했습니다. 두 배우의 호흡은 영화에 웃음과 감동을 동시에 선사합니다. 유머가 전하는 공감의 길 처음에는 플로렌스의 노래 자체에서 웃음을 느낄 수 있습니다. 크고, 음정이 맞지 않고, 종종 우스꽝스럽게 들리기 때문입니다. 하지만 곧 관객은 단순히 웃음만이 아니라 감탄도 하게 됩니다. 그녀의 진심과 기쁨은 부정할 수 없기 때문입니다. 감독은 유머를 통해 플로렌스를 조롱하는 대신, “재능”이라는 좁은 정의와 예술적 표현의 더 넓은 의미 사이의 간극을 보여줍니다. 유머는 오히려 관객이 플로렌스의 세계에 더 가까이 다가가도록 돕습니다. 그 세계에서는 완벽함보다 열정이 더 큰 힘을 가집니다. 숨겨진 자기수용의 메시지 플로렌스 포스터 젠킨스 의 가장 강력한 주제 중 하나는 자기수용의 메시지입니다. 플로렌스는 완벽하지 않아도 기쁨을 누릴 자격이 있다는 사실을 몸소 보여줍니다. 그녀의 삶은 우리에게 세 가지 중요한 교훈을 남깁니다. 열정은 완벽보...

에메랄드 페넬의 영화 프로미싱 영 우먼 (2020)은 단순히 복수극으로 분류하기 어려운 작품입니다. 겉으로는 스릴러처럼 보이지만, 그 이면에는 강간 문화, 방관, 그리고 가부장적 사회에서 정의가 작동하지 않는 불편한 현실에 대한 다층적인 비판이 담겨 있습니다. 캐리 멀리건이 연기한 캐시 토머스는 “착한 남자”라는 사회적 이미지 뒤에 숨어 있는 위선과 폭력을 집요하게 드러냅니다. 특히 영화의 결말은 관객 사이에서 큰 논쟁을 불러일으켰습니다. 어떤 이는 과감한 페미니즘적 서사라고 평가하는 반면, 또 다른 이는 지나치게 비관적이라고 보았습니다. 하지만 분명한 것은 이 결말이 의도적으로 불편함을 남기고, 현실 속 불완전한 정의를 반영한다는 점입니다. 이번 글에서는 영화의 충격적인 마지막 장면을 해석하고, 그 속에 담긴 사회적 메시지를 살펴보겠습니다. 캐시의 사명: 방관에 맞선 개인적 투쟁 캐시는 의과대학을 중퇴한 후 공허한 삶을 살고 있습니다. 그녀의 가장 친한 친구 니나는 성폭행 피해를 입었지만 동료, 교수, 심지어 법적 제도마저 외면했습니다. 이 사건은 캐시의 인생을 바꾸었고, 그녀는 술에 취한 여성을 이용하려는 남자들을 직접 시험하며 그들의 위선을 폭로하는 이중 생활을 시작합니다. 이 과정은 단순한 복수가 아니라, 사회 전반에 뿌리 깊게 자리한 성적 착취와 그에 대한 집단적 무관심을 고발하는 행위입니다. 캐시를 통해 영화는 개별 가해자의 문제를 넘어, 방관과 침묵이 어떻게 구조적 폭력을 가능하게 하는지 드러냅니다. 마침내 캐시는 니나를 성폭행한 알 먼로를 직접 겨냥하게 되고, 관객들은 통쾌한 대결을 기대합니다. 하지만 영화는 예상과 전혀 다른 길로 향합니다. 총각 파티: 복수극의 공식을 전복하다 캐시는 스트리퍼로 변장해 알 먼로의 총각 파티에 잠입합니다. 그녀의 계획은 그의 몸에 니나의 이름을 새겨 죄를 영원히 기억하게 만드는 것이었습니다. 하지만 사건은 계획대로 흘러가지 않습니다. 알은 캐시를 제압하고, 긴 시간에 걸쳐 그녀를 베개로 질식시...

2015년 개봉한 영화 브루클린(Brooklyn) 은 존 크로울리 감독이 연출하고 콜럼 토이빈의 동명 소설을 원작으로 한 작품으로, 정체성과 사랑, 그리고 이민이라는 달콤쌉싸름한 경험을 깊이 있게 탐구합니다. 시얼샤 로넌이 연기한 주인공 에일리스 레이시는 1950년대 아일랜드를 떠나 새로운 기회를 찾아 브루클린으로 향합니다. 이 영화는 대륙과 감정을 넘나드는 여정을 그리지만, 궁극적으로는 한 여성의 변화를 담아낸 깊이 있는 개인적 이야기입니다. 이번 글에서는 에일리스가 향수에 젖은 이민자에서 자신의 운명을 스스로 결정하는 당당한 여성으로 성장하는 과정을 보여주는 세 가지 결정적 장면 을 살펴보겠습니다. 낯선 땅에 도착한 날: 미지의 세계와 마주하다 영화 초반, 에일리스가 미국에 도착한 직후의 장면은 브루클린의 중요한 시작점입니다. 분주한 거리, 쏟아지는 소음과 빠른 속도, 그리고 자신을 알아보는 사람이 하나도 없는 낯선 환경 속에서 그녀의 표정은 불안과 두려움을 담고 있습니다. 그녀가 아일랜드에 있는 언니 로즈에게 보내는 편지에는 향수와 불확실함이 묻어납니다. 이 장면은 이민자의 현실을 여실히 보여줍니다. 익숙한 풍경을 잃는 상실감, 미묘한 문화적 차이 속에서의 소통 어려움, 그리고 사람들 속에 섞여도 존재감이 사라진 듯한 고독감이 그것입니다. 그러나 에일리스가 조용히 주변을 관찰하는 모습 속에서, 훗날 그녀의 여정을 이끌어갈 ‘적응력’의 씨앗이 이미 자리 잡고 있음을 엿볼 수 있습니다. 크리스마스 만찬: 소속감을 찾다 두 번째 장면은 교회가 주최한 아일랜드 이민자들을 위한 크리스마스 만찬에서 펼쳐집니다. 에일리스는 자원봉사로 참석해 오랫동안 고향을 떠나 있었던 아일랜드 남성들에게 음식을 제공합니다. 그들이 전통 노래를 부르자, 그 공간은 향수와 기쁨이 뒤섞인 따뜻함으로 가득 찹니다. 이 순간은 에일리스에게 있어 과거와 현재를 잇는 다리와 같습니다. 이제 그녀는 새로운 삶 속에서 수동적인 존재가 아니라, 공동체에 기여하는 적극적인 한 사람으로...

  요르고스 란티모스 감독의 2018년 영화 더 페이버릿 은 전형적인 시대극과는 거리가 멉니다. 18세기 초 영국 왕실의 화려한 궁정을 배경으로 하지만, 전통적으로 미화된 왕실 이미지를 대신해, 영화는 날카롭게 조명된 조작, 야망, 그리고 정치 권력의 그림자 속에서 펼쳐지는 여성 관계의 변화를 탐구합니다. 올리비아 콜먼이 연기한 앤 여왕의 아카데미상 수상 연기와, 레이첼 와이즈, 엠마 스톤의 강렬한 연기는 개인적 유대와 정치적 영향력이 어떻게 얽히는지를 섬세하게 보여줍니다. 이 작품은 단순히 누가 왕관을 쓰는지에 관한 이야기가 아니라, 누가 진정한 통제권을 쥐고 있는지, 그리고 그 대가가 무엇인지에 대한 이야기입니다. 정치와 개인의 배경 영화의 무대는 신체적으로 허약하고 정서적으로 불안정한 앤 여왕의 통치 시기입니다. 영국은 프랑스와의 값비싼 전쟁에 휘말려 있었고, 정치 세력들은 여왕의 총애를 얻기 위해 경쟁합니다. 그러나 실제 전장은 전쟁터가 아니라, 여왕의 사적인 공간에서 펼쳐집니다. 사라 처칠(말버러 공작부인)과 애비게일 힐, 두 여성과의 관계가 국가 정치의 흐름을 바꾸어 나갑니다. 더 페이버릿 에서 개인적 관계는 정치적 화폐와 같습니다. 애정, 신뢰, 충성은 무기처럼 거래되며, 여왕의 관심은 궁극적인 보상입니다. 이를 차지하기 위한 경쟁은 치열합니다. 권력은 친밀함, 친밀함은 권력 이 영화가 특히 매력적인 이유는 권력을 친밀한 교환으로 묘사한다는 점입니다. 사라는 오랜 충성심, 직설적인 솔직함, 그리고 깊은 정서적 유대감을 바탕으로 여왕에게 영향력을 행사합니다. 반면 애비게일은 매력, 계산된 연약함, 전략적 조작을 통해 여왕의 신뢰를 얻습니다. 사라와 애비게일의 심리전은 단순히 누가 여왕의 ‘총애’를 받을지가 아니라, 생존, 사회적 상승, 통제권을 두고 벌이는 싸움입니다. 이들의 전장은 여왕의 감정 세계이며, 모든 몸짓, 모든 말, 모든 시선이 게임의 한 수입니다. 권력 투쟁 속 취약성의 역할 앤 여왕의 병약함과 개인적 불안...

2011년 영화 더 헬프 는 캐서린 스토켓의 베스트셀러 소설을 원작으로 하며, 단순한 시대극이 아니라 용기, 공감, 그리고 깊은 사회적 분열 속에서도 여성들 사이에 형성될 수 있는 끊을 수 없는 유대에 대한 이야기입니다. 1960년대 초 미국 미시시피주 잭슨을 배경으로, 아프리카계 미국인 가정부들과 그들이 일하는 백인 여성들의 얽힌 삶을 보여주며, 인종 차별, 성별 불평등, 그리고 연대의 변혁적인 힘을 다룹니다. 역사적 배경 1960년대 초 미시시피는 인종 분리 정책과 짐 크로우 법, 그리고 뿌리 깊은 인종 계층 구조로 정의되었습니다. 아프리카계 미국인 여성들은 종종 백인 가정에서 가정부로 일하며, 가정을 유지하는 일을 하면서도 차별과 낮은 임금을 견뎌야 했습니다. 더 헬프 는 이러한 현실을 깊이 파고들며, 부엌과 세탁실이 노동의 현장이자 존엄성을 위한 싸움터였음을 보여줍니다. 이야기를 전하는 용기 이 영화의 중심 줄거리는 백인 작가 지망생 스키터가 흑인 가정부들의 말해지지 않은 이야기를 기록하기로 결심하면서 시작됩니다. 아이빌린을 시작으로, 이후 미니도 참여하게 됩니다. 당시 미시시피에서 인종 차별의 진실을 폭로하는 일은 그들의 직업과 명성, 심지어 안전까지 잃을 수 있는 위험한 선택이었습니다. 그러나 각 여성이 자신의 이야기를 나누면서, 그들은 말하는 것이 곧 권력을 되찾는 행위임을 깨닫게 됩니다. 장벽을 넘어선 우정 더 헬프 가 전달하는 가장 강력한 메시지 중 하나는 진정한 관계가 사회적 장벽을 넘어 형성될 수 있다는 점입니다. 영화는 인물들 사이의 불평등을 숨기지 않으면서도, 신뢰와 공감이 예상치 못한 방식으로 자랄 수 있음을 보여줍니다. 스키터는 아이빌린과 미니를 더 이상 ‘가정부’로 보지 않고, 각자의 꿈과 어려움, 지혜를 가진 동등한 인간으로 바라보게 됩니다. 연대의 대가와 보상 더 헬프 속 연대는 위험을 동반합니다. 아이빌린은 직장을 잃고, 스키터는 친구들에게서 소외되며, 미니는 안전을 위협받습니다. 그러나 보상은 깊습니다...

1965년 셀마에서 몽고메리로 이어진 행진은 미국 민권운동사에서 가장 중요한 사건 중 하나로 기억됩니다. 역사 속에서는 종종 마틴 루터 킹 주니어 목사와 같은 남성 지도자들이 주목받지만, 실제로 이 역사적 순간을 만들어낸 데에는 여성들의 중요한, 그리고 때로는 간과된 역할이 있었습니다. 그들의 리더십과 용기, 그리고 조직력은 셀마 행진의 성공에 기여했을 뿐만 아니라, 정의를 위한 싸움 속에서 여성의 역할을 새롭게 정의했습니다. 역사 속 그림자에 있던 여성들 대부분의 사람들이 셀마를 떠올릴 때, 킹 목사, 존 루이스, 호세아 윌리엄스와 같은 이름을 먼저 생각합니다. 하지만 그 전면과 후방에는 아멜리아 보인턴 로빈슨, 다이앤 내시, 애니 리 쿠퍼와 같은 비범한 여성들이 있었습니다. 그들은 전략가이자 조직자, 그리고 투표권을 위해 목숨을 건 활동가였습니다. 예를 들어 아멜리아 보인턴 로빈슨은 킹 목사를 셀마로 초청하고 자신의 집을 계획의 본부로 제공했습니다. 다이앤 내시는 행진의 물류와 정치 전략에서 핵심적인 역할을 했으며, 애니 리 쿠퍼는 보안관 짐 클라크와의 대면으로 투표 억압에 맞선 상징적인 인물이 되었습니다. 위험 앞에 선 용기 있는 리더십 이 여성들에게 리더십이란 매일 위험 속으로 발을 내딛는 것을 의미했습니다. 1965년의 셀마는 흑인 활동가들에게 매우 적대적인 환경이었으며, 위협과 협박, 신체적 폭력이 흔했습니다. '피의 일요일(Bloody Sunday)'에 아멜리아 보인턴 로빈슨은 에드먼드 페터스 다리 위에서 의식을 잃을 때까지 구타를 당했습니다. 그 순간은 사진에 포착되어 미국 전역을 충격에 빠뜨렸고 여론을 움직였습니다. 이들의 끈기는 여성들이 단순한 참여자가 아니라 운동의 방향을 결정짓는 리더였음을 강력히 보여주었습니다. 행진 너머의 조직력 행진 장면은 상징적이지만, 그 하루하루의 기반 작업은 놀라운 조직력을 필요로 했습니다. 여성들은 교통편을 조율하고, 활동가들에게 음식과 숙소를 제공하며, 의사소통을 관리하고 사기를...

1995년 영화 클루리스(Clueless) 가 개봉했을 때, 이 작품은 단순한 하이틴 코미디가 아니었습니다. 그것은 90년대 문화를 상징하는 아이콘이 되었고, 패션과 유행어, 심지어 연애를 바라보는 우리의 시각까지 바꾸어 놓았습니다. 에이미 헤커링(Amy Heckerling)이 연출하고 제인 오스틴의 엠마(Emma) 에서 영감을 받은 이 영화는 세련되고 선한 의도를 가진 비벌리힐스의 고등학생 셰어 호로위츠(Cher Horowitz)가 우정과 로맨스, 그리고 자기 발견을 헤쳐 나가는 과정을 그립니다. 파스텔 톤 의상, 재치 있는 대사, 매력적인 사운드트랙으로 포장되어 있지만, 클루리스 는 사랑과 인간관계에 관한 놀랍도록 시대를 초월한 교훈들을 담고 있습니다. 진정한 애정을 알아차리는 방법부터 피상적인 판단을 피하는 법까지, 셰어의 여정은 90년대의 10대든 소셜 미디어 시대를 사는 현대인이든 누구나 참고할 만한 가치 있는 지침을 제공합니다. 사랑 전에 자기 자신을 알아야 한다 영화 속에서 셰어는 대부분의 시간을 다른 사람들을 이어주며, 마치 연애에 대해 모든 것을 아는 듯 행동합니다. 하지만 결국 그녀는 자신의 감정과 우선순위를 제대로 이해하지 못했음을 깨닫습니다. 사랑의 규칙 1: 누군가를 사랑하기 전에 먼저 자신을 알라 – 자신의 가치관, 필요, 불안 요소를 이해하는 것은 정직하고 명확하게 관계를 시작하는 데 도움이 됩니다. 겉모습으로만 판단하지 말라 처음에 셰어는 몇몇 인물들을 잘못 판단하며, 친절함보다 사회적 지위나 스타일을 우선시합니다. 하지만 이후 진정한 연결은 피상적인 특성이 아니라 공유된 가치에서 비롯된다는 것을 깨닫습니다. 사랑의 규칙 2: 표면 너머를 보라 – 외모와 매력은 중요하지만, 장기적인 관계를 유지하는 힘은 감정적 궁합과 공유된 목표에서 나옵니다. 돕는 것과 통제하는 것의 차이 셰어가 새 친구 타이(Tai)를 ‘향상’시키려는 시도는 선의에서 비롯되었지만 다소 조작적이었습니다. 그녀는 로맨스든 우정이든 사랑은 ...

장 피에르 주네(Jean-Pierre Jeunet) 감독의 영화 아멜리에(Amélie) 가 2001년에 개봉했을 때, 이 작품은 순식간에 전 세계적인 센세이션을 일으켰습니다. 그 이유는 독특한 영상미와 매력적인 사운드트랙뿐만 아니라, 삶의 작은 순간에서 기쁨을 찾는 따뜻한 이야기를 담고 있었기 때문입니다. 영화의 주인공 아멜리 푸랭(Amélie Poulain)은 수줍음 많은 파리의 웨이트리스로, 기발한 모험과 비밀스러운 선행으로 전 세계 관객들의 마음을 사로잡았습니다. 작은 것에서 보이지 않는 매력을 찾다 아멜리의 세상은 대부분의 사람들이 지나치는 디테일로 가득합니다. 라즈베리의 질감, 물수제비 뜨기의 즐거움, 곡물 자루에 손을 넣었을 때의 안락함 등, 그녀는 이런 작은 즐거움을 통해 평범한 하루를 마법처럼 바꿉니다. 이는 행복이 종종 눈앞에 숨겨져 있고, 우리가 속도를 늦추고 주의를 기울일 때 비로소 발견된다는 사실을 알려줍니다. 행복 비법 1: 작은 것들을 음미하라 – 작은 감각적 즐거움을 누릴 줄 알게 될수록 우리의 일상은 훨씬 풍요로워집니다. 비밀스러운 선행의 힘 아멜리의 가장 사랑스러운 특징 중 하나는 익명으로 다른 사람을 돕는 것을 좋아한다는 점입니다. 그녀는 한 노인에게 오래 잃어버렸던 어린 시절의 보물 상자를 돌려주고, 오래전 헤어진 연인을 다시 만나게 하며, 이웃들의 삶을 은근히 더 좋게 만듭니다. 이러한 행동 속에서 그녀는 아무런 대가를 바라지 않는 순수한 나눔의 기쁨을 느낍니다. 행복 비법 2: 보답을 바라지 않고 베풀어라 – 이름 없이 하는 선행은 긍정적인 물결을 만들어내며, 종종 다른 사람들에게도 선행을 전파하게 만듭니다. 연결을 향한 용기 다른 사람들에게는 다정하지만, 아멜리는 깊은 인간관계를 맺는 데 어려움을 겪습니다. 그녀의 수줍음과 거절에 대한 두려움은 자신이 끌리는 남자 니노에게 다가가는 것을 막습니다. 그러나 중요한 전환점은 사랑이란 취약함을 감수해야 한다는 것을 깨달았을 때 찾아옵니다. 행복 비법 3...

시도니 가브리엘 콜레트(Sidonie-Gabrielle Colette), 세상에 단순히 ‘콜레트’라는 이름으로 더 잘 알려진 그녀의 인생은 문학, 사랑, 그리고 독립을 향한 두려움 없는 추구로 엮인 생생한 직물과도 같습니다. 20세기 초 프랑스의 소설가이자 공연자, 문화 아이콘이었던 콜레트는 시대의 관습을 거부하고 예술가이자 여성으로서 진정성 있게 살았습니다. 그녀의 이야기는 열정과 창의성, 그리고 사회적 기대에 얽매이지 않으려는 의지로 가득 차 있으며, 오늘날에도 여전히 작가와 사상가들에게 영감을 줍니다. 초기 시절: 시골에서 파리의 살롱까지 1873년 프랑스의 작은 마을 생소뵈르 앙 퓌제(Saint-Sauveur-en-Puisaye)에서 태어난 콜레트는 이후 그녀의 글에 영감을 줄 푸른 시골 풍경 속에서 성장했습니다. 그녀의 어린 시절은 소박했지만, 지성과 재치는 어린 나이부터 분명하게 드러났습니다. 20세가 되던 해, 그녀는 ‘빌리(Willy)’라는 필명으로 활동하던 카리스마 있는 문학계 인사 앙리 고티에-빌라르(Henry Gauthier-Villars)와 결혼했습니다. 이 결혼을 통해 콜레트는 보헤미안 살롱과 아방가르드 예술, 날카로운 비평가들이 있는 파리 문학계에 발을 들이게 되었습니다. 다른 이름으로 쓴 글 이 시기에 콜레트는 첫 소설인 ‘클로딘(Claudine)’ 시리즈를 집필했습니다. 한 소녀의 성장 이야기를 담은 반(半)자전적 작품으로, 프랑스에서 큰 인기를 끌었지만 책에는 콜레트의 이름이 아닌 빌리의 이름이 적혔습니다. 당시 많은 여성 예술가들처럼, 그녀의 저작권은 한 남성에 의해 가려졌습니다. 이러한 상황은 깊은 좌절감을 안겨주었지만, 동시에 문학의 상업적 측면과 대중 이미지를 어떻게 만들고 관리할 수 있는지를 배우게 되는 계기가 되었습니다. 자유를 향해 나아가다 결혼 생활이 점점 악화되던 중, 콜레트는 1910년에 빌리와 이혼했습니다. 이 사건은 그녀가 개인적·창작적 독립을 향해 나아가는 시작점이었습니다. 그녀는 뮤직홀...

마가렛 킨(Margaret Keane)의 인생은 단순히 예술에 관한 이야기가 아닙니다. 그것은 용기, 정체성, 그리고 종종 여성을 과소평가하는 세상 속에서 인정받기 위해 싸운 이야기입니다. 커다란 눈을 가진 아이와 여성을 그린 독특한 그림으로 유명한 킨은 작품뿐만 아니라 그녀의 개인적인 여정으로도 유산을 남겼습니다. 그녀가 성공을 거두고, 침묵 속에 지내다, 마침내 자신의 목소리를 되찾기까지의 과정은 예술가, 기업가, 그리고 한 번이라도 무시당한 적이 있는 모든 이에게 시대를 초월한 교훈을 제공합니다. 초기 시절: 독창적인 시선의 발견 마가렛 킨은 1927년 미국 테네시주 내슈빌에서 태어났습니다. 어린 시절부터 그녀는 눈에 대한 깊은 매력을 보였고, 종종 스케치에서 눈을 과장되게 크게 그렸습니다. 그녀는 훗날 “눈은 영혼의 창”이라고 믿었고, 단어로 표현할 수 없는 감정을 담을 수 있다고 설명했습니다. 이 스타일은 세상이 그녀의 이름을 알기 훨씬 전부터 그녀의 예술적 정체성의 기초가 되었습니다. 월터 킨과의 만남: 기회와 속임수 마가렛의 인생은 월터 킨(Walter Keane)이라는 매력적이고 기회를 잘 포착하는 세일즈맨을 만나면서 극적으로 변했습니다. 두 사람은 1955년에 결혼했고, 그 후 곧 월터는 마가렛의 그림을 팔기 시작했습니다. 처음에는 그녀가 그림을 그리고 월터가 판매를 담당하는 구조였지만, 곧 작품이 주목받자 월터는 자신이 그림의 작가라고 주장하기 시작했습니다. 마가렛은 충격과 상처를 받았지만, 월터는 여성이 그린 그림은 아무도 사지 않을 것이라고 설득했습니다. 그는 이 속임수가 “우리 둘을 위한 것”이라며, 성공을 가져다줄 것이라고 주장했습니다. 그림자 속의 세월 대중이 빅아이즈 그림을 사랑하는 동안, 마가렛은 비밀리에 일주일에 최대 16점의 그림을 완성해야 했습니다. 그녀는 스튜디오에 고립되어 거의 공식 행사에 나가지 못했고, 진실을 말하면 모든 것이 무너질 것이라는 경고를 지속적으로 들었습니다. 시간이 지날수록 그녀는 점점 ...

제2차 세계대전 중, 남성들이 전장으로 떠나자 여성들이 그 자리를 대신했습니다. 공장과 사무실뿐 아니라, 야구장에서도 말이죠. 페니 마샬 감독의 영화 그들만의 리그 (1992)는 단순한 스포츠 영화가 아닙니다. 이 작품은 성 역할, 회복력, 인정이라는 주제를 담은 문화적 성찰의 결과물입니다. 영화는 미국여자프로야구리그(AAGPBL)의 실화를 바탕으로 한 이야기이며, 이들의 사회적 의미는 지금까지도 이어지고 있습니다. 그들만의 리그 는 단순한 향수 어린 오락영화가 아닙니다. 오늘날에도 깊은 울림을 주는 강력한 메시지들을 전합니다. 이 영화가 전하는 네 가지 핵심 메시지를 살펴보겠습니다: 스포츠를 통해 성 역할의 한계를 넘어서다 이 영화의 핵심 메시지는 전통적인 성 역할을 깨는 여성들의 이야기입니다. 1940년대, 여성이 본격적으로 경쟁 스포츠에 참여한다는 것은 거의 상상도 할 수 없는 일이었습니다. 하지만 전쟁으로 인해 남성 리그가 중단되자, 여자야구리그(AAGPBL)는 여성들이 뛰어난 실력을 갖추고 있으며 관중을 끌어모을 수 있다는 사실을 입증했습니다. 선수들은 치마를 입고 경기해야 했고, ‘매너 학교’를 다니기도 했지만, 경기장에서의 실력은 사회적 고정관념을 뛰어넘었습니다. 지나 데이비스가 연기한 도티는 우아하면서도 강인한 운동선수의 이미지를 보여주었고, 이로써 여성성과 운동능력이 양립할 수 없다는 당시의 인식을 정면으로 반박했습니다. 영화는 여성이 남성 중심의 공간에서도 정체성을 지키며 성공할 수 있음을 조용히 강조합니다. 자매애와 경쟁심: 복잡한 여성 관계의 민낯 이 영화는 야구가 중심이긴 하지만, 감정의 핵심은 도티와 여동생 킷 사이의 관계에 있습니다. 두 자매의 경쟁은 여성의 권한 부여라는 주제를 보다 입체적으로 보여줍니다. 킷은 늘 도티의 그늘에서 벗어나고 싶어 했고, 이는 여성들 간에도 경쟁과 인정 욕구가 존재함을 보여줍니다. 이런 갈등은 현실에서도 많은 여성이 겪는 이야기입니다. 영화는 여성들 사이의 긴장을 부정하거...

미스 슬로운(Miss Sloane) 은 단순한 정치 스릴러가 아닙니다. 이 영화는 냉혹한 로비 세계를 헤쳐 나가는 여성의 심리적, 도덕적 복잡성을 깊이 있게 탐구합니다. 엘리자베스 슬로운이라는 인물이 어떻게 시스템과 자기 자신을 동시에 도전했는지를 살펴봅니다. 서론 2016년작 미스 슬로운(Miss Sloane) 은 존 매든 감독, 제시카 차스테인이 주연을 맡은 빠른 전개와 긴장감 넘치는 드라마입니다. 배경은 워싱턴 D.C.의 고위 정치 로비 세계. 주인공 엘리자베스 슬로운은 총기 규제 법안을 통과시키기 위해 모든 것을 건 냉철하고 도덕적 경계에 선 여성 로비스트입니다. 이 글에서는 정치 조작을 여성의 시선으로 풀어낸 이 작품이 어떻게 권력과 희생을 그려냈는지를 분석합니다. 사과하지 않는 주인공 엘리자베스 슬로운은 정치판 속 여성 캐릭터의 기존 틀을 완전히 깨뜨립니다. 영화 시작부터 그녀는 단호하고, 흔들림 없으며, 목표에만 집중하는 인물로 묘사됩니다. 감정선으로 부드럽게 처리되는 기존 여성 캐릭터와 달리, 슬로운은 생존을 위해 취약함을 억누르는 인물입니다. 약물 사용, 불면증, 강박적 업무 습관은 단점이 아니라 전략적 무기입니다. 영화는 그녀를 ‘좋아하게 만들려고’ 하지 않습니다. 대신, ‘이해하라’고 요구합니다. 도덕보다 전략 이 영화에서 가장 흥미로운 질문은 ‘목적이 수단을 정당화하는가’입니다. 슬로운은 총기 규제 법안을 지지하는 회사로 자리를 옮깁니다. 하지만 그녀의 결정은 신념 때문이 아니라, 그 싸움이 더 어렵고 도전적이기 때문입니다. 그녀는 언론을 조작하고, 정치인을 협박하고, 자신의 팀까지 이용합니다. 이러한 회색지대 전략은 충격적이지만 효과적입니다. 영화는 이렇게 묻습니다. “승리가 중요하다면, 과정은 중요하지 않은가?” 성별이 작동하는 방식 슬로운은 극도로 남성적인 환경에서 활동합니다. 그녀는 외모, 말투, 리더십 방식까지 끊임없이 평가받습니다. 한 장면에서 남성 상원의원이 그녀의 전문성을 의심하며 “감정적이다”고 말...

세상을 바꾼 변호인(On the Basis of Sex) 은 단순한 법정 드라마가 아닙니다. 루스 베이더 긴즈버그 대법관의 끈질긴 성평등 투쟁을 기리는 영화입니다. 그녀가 법의 틀을 어떻게 바꿨는지를 보여주는 7가지 장면을 함께 살펴봅니다. 서론 2018년 개봉한 세상을 바꾼 변호인(On the Basis of Sex) 은 미미 레더 감독, 대니얼 스티플먼 각본으로 제작된 영화입니다. 미국 연방대법관 루스 베이더 긴즈버그의 젊은 시절을 다루며, 1950~70년대를 배경으로 그녀가 어떤 사건을 통해 법조계에 발을 디뎠고, 성차별에 맞서 싸우게 되었는지를 담고 있습니다. 이 글에서는 그녀의 지성, 회복력, 개척자적 유산을 보여주는 영화 속 핵심 장면 7가지를 소개합니다. 1. 하버드 법대 만찬 장면 가장 불편하면서도 시대상을 잘 드러내는 장면 중 하나는 하버드 법대 학장과의 저녁 식사입니다. 학장은 몇 안 되는 여학생들에게 “왜 남자 자리를 빼앗았느냐”고 묻습니다. 이 장면은 당시 만연했던 성차별을 보여주며, 여성들이 감내해야 했던 감정적 무게를 상징합니다. 긴즈버그의 침착하고 단호한 대답은 그녀의 재치와 품위를 보여주며, 앞으로 이어질 투쟁의 시작을 예고합니다. 2. 러트거스 대학교 첫 강의 장면 뉴저지로 이사한 후, 루스는 러트거스 법대에서 강의를 시작합니다. 하지만 그녀는 남편이 일한다는 이유로 임금 차별을 겪습니다. 이 장면은 여성들이 겪은 일상적인 경제적 차별을 보여주며, 그녀가 젠더 법을 가르치기로 결심하는 계기가 됩니다. 이는 그녀의 경력뿐 아니라 성평등 법 교육의 발전에 있어서도 중요한 전환점이 됩니다. 3. 모리츠 사건 발견 장면 남편 마티가 찰스 모리츠라는 남성의 세금 관련 사건을 발견하게 됩니다. 그는 미혼 남성이라는 이유로 간병인 세금 공제를 거부당합니다. 루스는 이 사건이 성차별 문제를 법적으로 드러낼 수 있는 절호의 기회라고 판단합니다. 남성이 원고라는 점에서 법원이 쉽게 무시할 수 없다는 계산입니다. 이 장면은 ...

서론 1991년 개봉한 영화 델마와 루이스(Thelma & Louise) 는 리들리 스콧 감독, 캘리 쿠리 각본의 작품으로 단순한 영화가 아니라 문화적 이정표로 평가받습니다. 지나 데이비스와 수전 서랜던이 주연한 이 영화는 주말 여행을 떠난 두 여성이 예상치 못한 사건을 겪으며 자유를 찾아 나서는 여정을 그립니다. 30년이 지난 지금도 이 영화는 주류 영화 속에서 가장 강력한 페미니즘 선언 중 하나로 남아 있습니다. 이 글에서는 델마와 루이스 가 여성 로드무비를 어떻게 재정의했는지, 그리고 그 영향력이 여전히 지속되는 세 가지 이유를 소개합니다. 1. 움직이는 여성의 자율성과 반란 전통적인 로드무비는 대개 남성 주인공이 모험이나 탈출을 위해 길을 떠나는 이야기입니다. 그러나 델마와 루이스 는 이 공식을 완전히 뒤집습니다. 델마는 통제적인 남편과의 결혼 생활에 지쳐 있고, 루이스는 희망 없는 일상에 갇혀 있습니다. 그러나 바에서의 충격적인 사건을 계기로 두 사람의 여행은 단순한 휴가가 아닌 자율성을 위한 반란으로 바뀝니다. 그들은 ‘자아를 찾기 위해’ 떠난 것이 아니라, ‘자신의 운명을 스스로 선택하기 위해’ 도망칩니다. 이 여정은 실제 이동이자 상징적 저항이며, 그들이 밟는 매 순간의 거리는 그들이 거부하고자 하는 세상을 향한 도전입니다. 2. 생존 수단으로서의 여성 우정 이 영화의 감정적 중심은 델마와 루이스의 우정에 있습니다. 헐리우드는 종종 여성 간의 우정을 부차적으로 취급하거나 로맨스에 가려지게 묘사하지만, 이 영화는 두 여성의 관계를 중심에 둡니다. 이들의 관계는 단순한 지지를 넘어서 생존의 수단으로 발전합니다. 그들은 서로를 반복해서 구합니다—감정적으로, 육체적으로, 그리고 상징적으로. 여성들이 종종 경쟁자로 묘사되는 영화계에서 델마와 루이스 는 여성 연대가 얼마나 강력하고, 혁명적일 수 있는지를 과감히 보여줍니다. 3. 할리우드 관행을 거스른 급진적 결말 이 영화의 가장 잊을 수 없는 장면은 바로 결말입니다. 델마와 루...

인도 영화 <마르다니(Mardaani)> 는 실화를 바탕으로 만들어진 여성 주인공 중심의 범죄 스릴러입니다. 이 영화는 단순한 액션 영화가 아니라, 인도의 여성 경찰관이 현실의 폭력과 범죄에 어떻게 맞서 싸우는지를 밀도 있게 보여줍니다. 무엇보다 중요한 건, 영화가 전형적인 ‘히어로물’의 틀을 따르지 않고, 현실을 반영한 리얼리즘을 바탕으로 여성의 강인함을 새롭게 그려낸다는 점입니다. 관객은 영화 내내 주인공의 분노와 좌절, 투지를 함께 체험하며 현실의 무게를 가늠하게 됩니다. 실화를 기반으로 한 사회 고발적 서사 <마르다니>는 인도에서 실제로 벌어진 아동 인신매매 사건 을 모티브로 제작되었습니다. 영화 속 배경은 델리와 뭄바이의 어두운 범죄 세계로, 수많은 소녀들이 납치되어 성매매 시장에 팔려가는 현실을 정면으로 다룹니다. 범죄조직의 잔혹함은 그저 자극적인 연출이 아니라, 인도 내 성매매 실태에 대한 경고입니다. 주인공 시바니 시바지 로이(라니 무케르지 분)는 마약 수사반의 책임자로 등장합니다. 겉보기엔 냉철하고 강인해 보이지만, 그녀 역시 조직과 사회 시스템 사이에서 때때로 무력함을 느끼며 고뇌합니다. 한 소녀의 실종을 추적하던 그녀는 점점 더 거대한 범죄조직의 실체에 접근하게 되고, 이 과정은 단지 ‘정의 구현’이 아니라 ‘인간 존엄 회복’의 여정으로 확장됩니다. 시바니, 현실 속 여성 리더의 얼굴 시바니는 영화 속에서 단지 권총을 쥔 히로인이 아닙니다. 그녀는 상사의 무시에 굴하지 않고, 가정과 일을 병행하며 사회에서 목소리를 내는 인물입니다. 특히 그녀는 입양한 딸을 지키기 위한 엄마로서의 모습과 범죄 앞에 단호한 형사로서의 모습을 오가며, 여성 다층적 정체성을 그대로 보여줍니다. 라니 무케르지는 캐릭터에 생명을 불어넣습니다. 군더더기 없는 표정, 체계적인 수사 방식, 감정을 드러내는 타이밍까지 치밀하게 조율된 연기는 시바니가 허구가 아닌 현실에 존재할 것 같은 인물이라는 느낌을 줍니다. 관객들은 그녀의 모습에서...

스티븐 스필버그 감독의 영화 『컬러 퍼플(The Color Purple)』 은 단순한 시각적 아름다움을 넘어, 흑인 여성의 삶을 깊이 있게 그린 감동적인 서사입니다. 1982년 발표된 원작 소설을 바탕으로 한 이 작품은, 인종과 젠더적 억압 속에서도 여성들이 어떻게 자신을 회복하고 존엄을 회복해 나가는지를 보여주는 상징적인 작품입니다. 인종과 성(性)이 교차하는 억압의 현실 주인공 셀리(우피 골드버그 분)는 1930년대 미국 남부의 농촌 흑인 여성이었습니다. 어린 시절부터 학대받고, 결혼 이후에는 가부장적이고 폭력적인 남편에게 눌려 살아갑니다. 그의 한 마디는 그녀를 ‘보이지 않는 존재’로 만들어 버리고, 셀리는 자신을 “가치 없는 존재”로 느끼게 됩니다. 이 영화는 단순한 가정 폭력의 문제를 넘어서, 인종 차별과 성차별이 교차하는 현실을 보여줍니다. 셀리는 흑인 여성이라는 이유만으로 교육받을 권리조차 박탈당하고, 스스로를 증명할 기회조차 갖지 못합니다. 하지만 영화는 그녀의 고난을 일방적으로 드러내는 대신, 그 안에서 어떻게 희망을 건져 올릴 수 있는지를 집중적으로 탐구합니다. 일기 속에 피어난 자아 셀리는 살기 위한 수단으로 ‘일기 쓰기’를 시작합니다. 일기는 그녀가 자신의 감정과 기억을 정리하는 유일한 도구이자, 세상에 자신의 목소리를 전달하는 유일한 창구였습니다. 매일 “사랑해도 괜찮을까?”, “나는 누구인가?”라는 질문을 자신의 글 속에 담으며, 그녀는 스스로를 마주하게 됩니다. 일기를 통해 셀리는 소리 없는 항거를 시작하고, 작은 치유의 가능성을 만납니다. 누군가에게 보여주기 위해 쓴 글이 아니었지만, 그녀의 기록은 점차 주위 사람들의 관심을 끌기 시작하고, 그것은 곧 ‘자기 존재 증명’으로 연결됩니다. 연대하는 여성들, 연대하는 자존 영화 속 여성 캐릭터들은 서로를 통해 견디고 극복합니다. 셀리의 자매 네티(애키바 골드스워시 분)는 먼 아프리카 성직자 신부로 성장하며, 언젠가는 언니를 찾아오겠다고 약속합니다. 또한 싱글맘이자...

루이자 메이 올컷의 고전 소설을 원작으로 한 영화 <작은 아씨들(Little Women, 2019)>은 단순한 시대극이나 가족 드라마를 넘어, 여성의 자아실현과 독립, 그리고 연대의 가치를 새롭게 조명하는 작품입니다. 그레타 거윅 감독의 연출 아래, 네 자매의 꿈과 삶은 오늘날의 관객에게도 여전히 유효한 질문을 던집니다. ‘여성의 삶은 왜 가정이라는 공간에만 머물러야 하는가?’, ‘꿈을 위해 포기해야 할 것은 무엇인가?’ 이 글에서는 자매들의 여정을 따라가며, 이 작품이 전달하는 연대의 의미를 되짚어봅니다. 조 마치, 자유로운 영혼의 작가 <작은 아씨들>의 중심에는 조 마치(시얼샤 로넌 분)가 있습니다. 조는 여성에게 정해진 사회적 역할과 기대에 반기를 들고, 작가로서 자립하고자 합니다. 여성은 결혼을 통해 삶을 안정시켜야 한다는 시대적 통념 속에서, 조는 독신으로도 충분히 의미 있는 삶을 살 수 있다는 사실을 보여줍니다. 그녀는 글을 쓰며 자신만의 언어를 찾고, 자신의 경험과 생각을 세상에 전합니다. 조의 서사는 단지 개인적인 성장기가 아니라, 여성의 자율성과 목소리에 대한 선언입니다. 그녀는 자신의 삶을 스스로 기획하고 선택하며, 누구에게도 의존하지 않는 독립적인 주체로 거듭납니다. 이 과정은 수많은 현실적 좌절과 갈등을 동반하지만, 그 속에서 조는 더 단단해집니다. 메그, 에이미, 베스… 서로 다른 선택, 그러나 같은 존중 조 외에도 각기 다른 삶을 선택하는 세 자매의 모습은 ‘여성의 길’이 결코 하나가 아님을 보여줍니다. 메그는 전통적인 결혼과 가정을 선택하며, 소박한 일상 속에서 행복을 찾습니다. 에이미는 미술가로서의 야망을 품고 유럽으로 떠나며, 삶의 현실과 예술 사이에서 치열하게 고민합니다. 베스는 병약하지만 가족을 위한 헌신과 따뜻한 마음으로 모두의 중심이 됩니다. 그레타 거윅 감독은 이 각각의 선택을 판단하거나 비교하지 않습니다. 오히려 각자의 방식으로 자신의 삶을 사랑하는 이 자매들의 선택을 있는 그...

2022년 전 세계 영화계를 강타한 <에브리씽 에브리웨어 올 앳 원스(Everything Everywhere All at Once)>는 단순한 멀티버스 영화가 아닙니다. 오히려 이 작품은 복잡하게 얽힌 우주의 구조 안에서 ‘나’라는 존재를 찾아가는 한 여성의 내면 여행이자, 세대 간 갈등과 자아 정체성을 다룬 가족 드라마에 가깝습니다. 극도로 실험적인 연출과 다채로운 장르의 융합 속에서도, 영화의 중심에는 ‘에블린’이라는 인물이 가지고 있는 혼란, 후회, 두려움, 그리고 사랑이 뚜렷하게 존재합니다. 이 글에서는 멀티버스를 배경으로 펼쳐지는 여성 정체성의 탐색이라는 주제에 집중해보고자 합니다. 평범한 이민자 여성, 에블린의 세계 주인공 에블린(양자경 분)은 세탁소를 운영하는 중국계 이민자 여성입니다. 남편과의 관계는 소원해졌고, 딸과는 정체성 문제로 충돌하고 있으며, 아버지는 여전히 전통적 가치관 속에 머물러 있습니다. 세금 문제에 시달리며 하루하루를 버티듯 살아가는 그녀는 스스로를 “실패한 인생”이라 느낍니다. 하지만 이 영화가 특별한 이유는, 그렇게 평범하고 무기력한 인물이 ‘우주를 구할 수 있는 단 하나의 존재’가 되는 과정을 보여주기 때문입니다. ‘에블린’은 수많은 멀티버스 속 다른 자아들을 마주하며, 자신이 선택하지 않은 삶들을 경험하게 됩니다. 이 설정은 단지 SF적 장치가 아니라, 모든 여성들이 느끼는 ‘잃어버린 가능성’과 ‘후회’라는 감정을 시각화한 장치입니다. 멀티버스는 여성 정체성의 은유다 영화에서 멀티버스는 하나의 우주, 하나의 정체성에 갇혀 있는 우리가 얼마나 다양한 가능성을 내포하고 있는 존재인지를 상징합니다. 에블린은 배우, 요리사, 무술 고수, 심지어 핫도그 손가락을 가진 존재로도 살아갑니다. 이 다중적인 정체성은 단지 웃음을 위한 것이 아니라, 여성이라는 정체성이 결코 단일하지 않으며, 사회적 역할, 가족적 기대, 문화적 배경 속에서 끊임없이 분열되고 재조합된다는 현실을 반영합니다. 특히 여성은 ‘엄...

2023년 개봉한 미국 인디 영화 <바텀즈(Bottoms)>는 한마디로 ‘정형화된 하이틴 장르에 주먹을 날린’ 작품입니다. 기존 십대 영화에서 볼 수 없었던 급진적이고 대담한 서사, 그리고 성소수자 주인공이 중심이 되는 스토리라인은 이 작품을 단순한 틴 코미디가 아닌, 사회적 선언으로 만들어냅니다. 이 글에서는 <바텀즈>가 어떻게 하이틴 장르를 새롭게 재해석하며, 성(性)과 정체성에 대한 시선을 확장하는지 살펴보겠습니다. 클리셰를 비틀다: ‘싸움 동아리’를 연 레즈비언 주인공들 영화는 레즈비언인 두 명의 고등학생 PJ와 조시(레이첼 세노트, 아요 에데비리 분)가 학교에서 인기가 없고, 성적 관계도 없다는 이유로 주변으로부터 철저히 외면당하면서 시작됩니다. 이들은 ‘여성 자기방어 클럽’을 가장한 ‘싸움 동아리’를 만들어 학교 내 인기 있는 여학생들에게 접근하려 합니다. 줄거리만 보면 터무니없고 과장된 코미디처럼 보이지만, 이 영화는 그 과장된 설정 안에서 ‘하이틴 영화의 규칙’을 정면으로 비틀며 새로운 감수성을 전달합니다. 이성애 중심의 사랑 이야기, 잘생긴 남자 주인공, 미식축구 경기와 프롬 파티로 대표되는 미국 고등학교의 고정 틀을 뒤엎고, 진짜 10대들이 고민하는 성적 정체성과 소속감, 관계에 대한 이야기를 다채롭게 펼쳐냅니다. 십대의 욕망을 숨기지 않는 솔직함 <바텀즈>의 가장 큰 미덕 중 하나는 ‘10대의 성적 욕망’을 숨기지 않고, 있는 그대로 다룬다는 점입니다. PJ와 조시는 여느 십대처럼 누군가와 연결되고 싶고, 욕망을 느끼며, 사회적 위치에서 벗어나고 싶어 합니다. 하지만 이들이 처한 사회적 현실은, 성소수자라는 이유로 ‘바텀(bottom, 사회적 최하층)’에 놓인다는 것입니다. 그럼에도 이 영화는 그 위치를 자조하거나 피해자로 소비하지 않습니다. 오히려 PJ와 조시는 자기 방식으로 세계를 재정의하고, ‘바텀’이라는 말조차 스스로의 정체성으로 끌어안으며 유쾌하게 반격합니다. 10대의 욕망이 ...