suzy의 노트

세상을 바꾼 변호인(On the Basis of Sex) 은 단순한 법정 드라마가 아닙니다. 루스 베이더 긴즈버그 대법관의 끈질긴 성평등 투쟁을 기리는 영화입니다. 그녀가 법의 틀을 어떻게 바꿨는지를 보여주는 7가지 장면을 함께 살펴봅니다. 서론 2018년 개봉한 세상을 바꾼 변호인(On the Basis of Sex) 은 미미 레더 감독, 대니얼 스티플먼 각본으로 제작된 영화입니다. 미국 연방대법관 루스 베이더 긴즈버그의 젊은 시절을 다루며, 1950~70년대를 배경으로 그녀가 어떤 사건을 통해 법조계에 발을 디뎠고, 성차별에 맞서 싸우게 되었는지를 담고 있습니다. 이 글에서는 그녀의 지성, 회복력, 개척자적 유산을 보여주는 영화 속 핵심 장면 7가지를 소개합니다. 1. 하버드 법대 만찬 장면 가장 불편하면서도 시대상을 잘 드러내는 장면 중 하나는 하버드 법대 학장과의 저녁 식사입니다. 학장은 몇 안 되는 여학생들에게 “왜 남자 자리를 빼앗았느냐”고 묻습니다. 이 장면은 당시 만연했던 성차별을 보여주며, 여성들이 감내해야 했던 감정적 무게를 상징합니다. 긴즈버그의 침착하고 단호한 대답은 그녀의 재치와 품위를 보여주며, 앞으로 이어질 투쟁의 시작을 예고합니다. 2. 러트거스 대학교 첫 강의 장면 뉴저지로 이사한 후, 루스는 러트거스 법대에서 강의를 시작합니다. 하지만 그녀는 남편이 일한다는 이유로 임금 차별을 겪습니다. 이 장면은 여성들이 겪은 일상적인 경제적 차별을 보여주며, 그녀가 젠더 법을 가르치기로 결심하는 계기가 됩니다. 이는 그녀의 경력뿐 아니라 성평등 법 교육의 발전에 있어서도 중요한 전환점이 됩니다. 3. 모리츠 사건 발견 장면 남편 마티가 찰스 모리츠라는 남성의 세금 관련 사건을 발견하게 됩니다. 그는 미혼 남성이라는 이유로 간병인 세금 공제를 거부당합니다. 루스는 이 사건이 성차별 문제를 법적으로 드러낼 수 있는 절호의 기회라고 판단합니다. 남성이 원고라는 점에서 법원이 쉽게 무시할 수 없다는 계산입니다. 이 장면은 ...

서론: 영화 한 편이 던진 거대한 질문 2019년 개봉한 영화 '82년생 김지영' 은 한국 사회에 깊은 울림을 주며 뜨거운 논쟁을 불러일으켰습니다. 조남주 작가의 동명 베스트셀러 소설을 원작으로 한 이 영화는 지극히 평범한 삶을 살아가는 80년대생 여성 '김지영'의 이야기를 통해, 우리 사회에 만연한 성차별적 구조와 그 속에서 개인이 겪는 어려움을 섬세하게 그려냈습니다. 개봉 전부터 찬반 논란의 중심에 서기도 했지만, 영화는 결국 300만 이상의 관객을 동원하며 많은 이들의 공감을 얻어냈습니다. 단순한 영화를 넘어선 사회적 현상이 된 '82년생 김지영'은 과연 어떤 메시지를 담고 있으며, 우리에게 어떤 질문을 던지고 있을까요? 이 글에서는 영화가 보여주는 우리 시대의 자화상을 심층적으로 탐구하고자 합니다. 본론 1: 지영 씨의 삶, 누구에게나 공명하는 보편적 이야기 영화는 주인공 김지영(정유미 분)이 남편 대현(공유 분)과 딸 아영이를 키우며 평범한 일상을 보내던 중, 갑작스러운 이상 증세를 겪게 되면서 시작됩니다. 그녀는 때때로 친정 엄마, 죽은 선배, 심지어 할머니의 모습으로 빙의하여 속마음을 이야기합니다. 이러한 '빙의' 현상은 김지영 개인의 심리적 문제인 동시에, 한국 사회에서 여성들이 겪어온 다양한 경험과 억압된 감정들이 표출되는 상징적인 장치로 작동합니다. 지영의 삶은 특별하지 않습니다. 학창 시절 남동생에게 밀려 차별을 경험하고, 성추행 위협에 시달리며, 취업을 위해 고군분투합니다. 어렵게 들어간 직장에서는 여성이라는 이유로 보이지 않는 유리천장에 부딪히고, 출산 후에는 경력 단절과 독박 육아의 현실에 직면합니다. 카페에서 아이와 함께 밥을 먹다가 "맘충"이라는 비난을 듣는 장면은 많은 여성들에게 깊은 공감을 자아냈습니다. 영화는 이러한 지영의 삶을 과장하거나 극적으로 연출하기보다, 담담하고 현실적인 시선으로 그려냅니다. 김도영 감독은 자신의 실제 경험과 여...

서론 1991년 개봉한 영화 델마와 루이스(Thelma & Louise) 는 리들리 스콧 감독, 캘리 쿠리 각본의 작품으로 단순한 영화가 아니라 문화적 이정표로 평가받습니다. 지나 데이비스와 수전 서랜던이 주연한 이 영화는 주말 여행을 떠난 두 여성이 예상치 못한 사건을 겪으며 자유를 찾아 나서는 여정을 그립니다. 30년이 지난 지금도 이 영화는 주류 영화 속에서 가장 강력한 페미니즘 선언 중 하나로 남아 있습니다. 이 글에서는 델마와 루이스 가 여성 로드무비를 어떻게 재정의했는지, 그리고 그 영향력이 여전히 지속되는 세 가지 이유를 소개합니다. 1. 움직이는 여성의 자율성과 반란 전통적인 로드무비는 대개 남성 주인공이 모험이나 탈출을 위해 길을 떠나는 이야기입니다. 그러나 델마와 루이스 는 이 공식을 완전히 뒤집습니다. 델마는 통제적인 남편과의 결혼 생활에 지쳐 있고, 루이스는 희망 없는 일상에 갇혀 있습니다. 그러나 바에서의 충격적인 사건을 계기로 두 사람의 여행은 단순한 휴가가 아닌 자율성을 위한 반란으로 바뀝니다. 그들은 ‘자아를 찾기 위해’ 떠난 것이 아니라, ‘자신의 운명을 스스로 선택하기 위해’ 도망칩니다. 이 여정은 실제 이동이자 상징적 저항이며, 그들이 밟는 매 순간의 거리는 그들이 거부하고자 하는 세상을 향한 도전입니다. 2. 생존 수단으로서의 여성 우정 이 영화의 감정적 중심은 델마와 루이스의 우정에 있습니다. 헐리우드는 종종 여성 간의 우정을 부차적으로 취급하거나 로맨스에 가려지게 묘사하지만, 이 영화는 두 여성의 관계를 중심에 둡니다. 이들의 관계는 단순한 지지를 넘어서 생존의 수단으로 발전합니다. 그들은 서로를 반복해서 구합니다—감정적으로, 육체적으로, 그리고 상징적으로. 여성들이 종종 경쟁자로 묘사되는 영화계에서 델마와 루이스 는 여성 연대가 얼마나 강력하고, 혁명적일 수 있는지를 과감히 보여줍니다. 3. 할리우드 관행을 거스른 급진적 결말 이 영화의 가장 잊을 수 없는 장면은 바로 결말입니다. 델마와 루...

인도 영화 <마르다니(Mardaani)> 는 실화를 바탕으로 만들어진 여성 주인공 중심의 범죄 스릴러입니다. 이 영화는 단순한 액션 영화가 아니라, 인도의 여성 경찰관이 현실의 폭력과 범죄에 어떻게 맞서 싸우는지를 밀도 있게 보여줍니다. 무엇보다 중요한 건, 영화가 전형적인 ‘히어로물’의 틀을 따르지 않고, 현실을 반영한 리얼리즘을 바탕으로 여성의 강인함을 새롭게 그려낸다는 점입니다. 관객은 영화 내내 주인공의 분노와 좌절, 투지를 함께 체험하며 현실의 무게를 가늠하게 됩니다. 실화를 기반으로 한 사회 고발적 서사 <마르다니>는 인도에서 실제로 벌어진 아동 인신매매 사건 을 모티브로 제작되었습니다. 영화 속 배경은 델리와 뭄바이의 어두운 범죄 세계로, 수많은 소녀들이 납치되어 성매매 시장에 팔려가는 현실을 정면으로 다룹니다. 범죄조직의 잔혹함은 그저 자극적인 연출이 아니라, 인도 내 성매매 실태에 대한 경고입니다. 주인공 시바니 시바지 로이(라니 무케르지 분)는 마약 수사반의 책임자로 등장합니다. 겉보기엔 냉철하고 강인해 보이지만, 그녀 역시 조직과 사회 시스템 사이에서 때때로 무력함을 느끼며 고뇌합니다. 한 소녀의 실종을 추적하던 그녀는 점점 더 거대한 범죄조직의 실체에 접근하게 되고, 이 과정은 단지 ‘정의 구현’이 아니라 ‘인간 존엄 회복’의 여정으로 확장됩니다. 시바니, 현실 속 여성 리더의 얼굴 시바니는 영화 속에서 단지 권총을 쥔 히로인이 아닙니다. 그녀는 상사의 무시에 굴하지 않고, 가정과 일을 병행하며 사회에서 목소리를 내는 인물입니다. 특히 그녀는 입양한 딸을 지키기 위한 엄마로서의 모습과 범죄 앞에 단호한 형사로서의 모습을 오가며, 여성 다층적 정체성을 그대로 보여줍니다. 라니 무케르지는 캐릭터에 생명을 불어넣습니다. 군더더기 없는 표정, 체계적인 수사 방식, 감정을 드러내는 타이밍까지 치밀하게 조율된 연기는 시바니가 허구가 아닌 현실에 존재할 것 같은 인물이라는 느낌을 줍니다. 관객들은 그녀의 모습에서...

스티븐 스필버그 감독의 영화 『컬러 퍼플(The Color Purple)』 은 단순한 시각적 아름다움을 넘어, 흑인 여성의 삶을 깊이 있게 그린 감동적인 서사입니다. 1982년 발표된 원작 소설을 바탕으로 한 이 작품은, 인종과 젠더적 억압 속에서도 여성들이 어떻게 자신을 회복하고 존엄을 회복해 나가는지를 보여주는 상징적인 작품입니다. 인종과 성(性)이 교차하는 억압의 현실 주인공 셀리(우피 골드버그 분)는 1930년대 미국 남부의 농촌 흑인 여성이었습니다. 어린 시절부터 학대받고, 결혼 이후에는 가부장적이고 폭력적인 남편에게 눌려 살아갑니다. 그의 한 마디는 그녀를 ‘보이지 않는 존재’로 만들어 버리고, 셀리는 자신을 “가치 없는 존재”로 느끼게 됩니다. 이 영화는 단순한 가정 폭력의 문제를 넘어서, 인종 차별과 성차별이 교차하는 현실을 보여줍니다. 셀리는 흑인 여성이라는 이유만으로 교육받을 권리조차 박탈당하고, 스스로를 증명할 기회조차 갖지 못합니다. 하지만 영화는 그녀의 고난을 일방적으로 드러내는 대신, 그 안에서 어떻게 희망을 건져 올릴 수 있는지를 집중적으로 탐구합니다. 일기 속에 피어난 자아 셀리는 살기 위한 수단으로 ‘일기 쓰기’를 시작합니다. 일기는 그녀가 자신의 감정과 기억을 정리하는 유일한 도구이자, 세상에 자신의 목소리를 전달하는 유일한 창구였습니다. 매일 “사랑해도 괜찮을까?”, “나는 누구인가?”라는 질문을 자신의 글 속에 담으며, 그녀는 스스로를 마주하게 됩니다. 일기를 통해 셀리는 소리 없는 항거를 시작하고, 작은 치유의 가능성을 만납니다. 누군가에게 보여주기 위해 쓴 글이 아니었지만, 그녀의 기록은 점차 주위 사람들의 관심을 끌기 시작하고, 그것은 곧 ‘자기 존재 증명’으로 연결됩니다. 연대하는 여성들, 연대하는 자존 영화 속 여성 캐릭터들은 서로를 통해 견디고 극복합니다. 셀리의 자매 네티(애키바 골드스워시 분)는 먼 아프리카 성직자 신부로 성장하며, 언젠가는 언니를 찾아오겠다고 약속합니다. 또한 싱글맘이자...

루이자 메이 올컷의 고전 소설을 원작으로 한 영화 <작은 아씨들(Little Women, 2019)>은 단순한 시대극이나 가족 드라마를 넘어, 여성의 자아실현과 독립, 그리고 연대의 가치를 새롭게 조명하는 작품입니다. 그레타 거윅 감독의 연출 아래, 네 자매의 꿈과 삶은 오늘날의 관객에게도 여전히 유효한 질문을 던집니다. ‘여성의 삶은 왜 가정이라는 공간에만 머물러야 하는가?’, ‘꿈을 위해 포기해야 할 것은 무엇인가?’ 이 글에서는 자매들의 여정을 따라가며, 이 작품이 전달하는 연대의 의미를 되짚어봅니다. 조 마치, 자유로운 영혼의 작가 <작은 아씨들>의 중심에는 조 마치(시얼샤 로넌 분)가 있습니다. 조는 여성에게 정해진 사회적 역할과 기대에 반기를 들고, 작가로서 자립하고자 합니다. 여성은 결혼을 통해 삶을 안정시켜야 한다는 시대적 통념 속에서, 조는 독신으로도 충분히 의미 있는 삶을 살 수 있다는 사실을 보여줍니다. 그녀는 글을 쓰며 자신만의 언어를 찾고, 자신의 경험과 생각을 세상에 전합니다. 조의 서사는 단지 개인적인 성장기가 아니라, 여성의 자율성과 목소리에 대한 선언입니다. 그녀는 자신의 삶을 스스로 기획하고 선택하며, 누구에게도 의존하지 않는 독립적인 주체로 거듭납니다. 이 과정은 수많은 현실적 좌절과 갈등을 동반하지만, 그 속에서 조는 더 단단해집니다. 메그, 에이미, 베스… 서로 다른 선택, 그러나 같은 존중 조 외에도 각기 다른 삶을 선택하는 세 자매의 모습은 ‘여성의 길’이 결코 하나가 아님을 보여줍니다. 메그는 전통적인 결혼과 가정을 선택하며, 소박한 일상 속에서 행복을 찾습니다. 에이미는 미술가로서의 야망을 품고 유럽으로 떠나며, 삶의 현실과 예술 사이에서 치열하게 고민합니다. 베스는 병약하지만 가족을 위한 헌신과 따뜻한 마음으로 모두의 중심이 됩니다. 그레타 거윅 감독은 이 각각의 선택을 판단하거나 비교하지 않습니다. 오히려 각자의 방식으로 자신의 삶을 사랑하는 이 자매들의 선택을 있는 그...

2022년 전 세계 영화계를 강타한 <에브리씽 에브리웨어 올 앳 원스(Everything Everywhere All at Once)>는 단순한 멀티버스 영화가 아닙니다. 오히려 이 작품은 복잡하게 얽힌 우주의 구조 안에서 ‘나’라는 존재를 찾아가는 한 여성의 내면 여행이자, 세대 간 갈등과 자아 정체성을 다룬 가족 드라마에 가깝습니다. 극도로 실험적인 연출과 다채로운 장르의 융합 속에서도, 영화의 중심에는 ‘에블린’이라는 인물이 가지고 있는 혼란, 후회, 두려움, 그리고 사랑이 뚜렷하게 존재합니다. 이 글에서는 멀티버스를 배경으로 펼쳐지는 여성 정체성의 탐색이라는 주제에 집중해보고자 합니다. 평범한 이민자 여성, 에블린의 세계 주인공 에블린(양자경 분)은 세탁소를 운영하는 중국계 이민자 여성입니다. 남편과의 관계는 소원해졌고, 딸과는 정체성 문제로 충돌하고 있으며, 아버지는 여전히 전통적 가치관 속에 머물러 있습니다. 세금 문제에 시달리며 하루하루를 버티듯 살아가는 그녀는 스스로를 “실패한 인생”이라 느낍니다. 하지만 이 영화가 특별한 이유는, 그렇게 평범하고 무기력한 인물이 ‘우주를 구할 수 있는 단 하나의 존재’가 되는 과정을 보여주기 때문입니다. ‘에블린’은 수많은 멀티버스 속 다른 자아들을 마주하며, 자신이 선택하지 않은 삶들을 경험하게 됩니다. 이 설정은 단지 SF적 장치가 아니라, 모든 여성들이 느끼는 ‘잃어버린 가능성’과 ‘후회’라는 감정을 시각화한 장치입니다. 멀티버스는 여성 정체성의 은유다 영화에서 멀티버스는 하나의 우주, 하나의 정체성에 갇혀 있는 우리가 얼마나 다양한 가능성을 내포하고 있는 존재인지를 상징합니다. 에블린은 배우, 요리사, 무술 고수, 심지어 핫도그 손가락을 가진 존재로도 살아갑니다. 이 다중적인 정체성은 단지 웃음을 위한 것이 아니라, 여성이라는 정체성이 결코 단일하지 않으며, 사회적 역할, 가족적 기대, 문화적 배경 속에서 끊임없이 분열되고 재조합된다는 현실을 반영합니다. 특히 여성은 ‘엄...