suzy의 노트

영화 “조커”(2019)는 아서 플렉이라는 인물이 광기에 빠져드는 과정을 통해 전 세계의 관객들을 사로잡았습니다. 아서는 전형적인 만화 속 악당이 아닌, 인간의 고통과 복잡함을 지닌 인물로 묘사됩니다. 이번 글에서는 아서 플렉이 조커로 변하게 된 7가지 주요 심리적 영향 을 살펴보며, 정신 건강, 트라우마, 그리고 체계적인 방치의 결과에 대해 통찰을 제공합니다. 1️⃣ 어린 시절의 트라우마와 학대 아서의 과거는 심각한 어린 시절의 트라우마로 얼룩져 있습니다. 그는 심리적으로 문제가 있는 양어머니 밑에서 자랐고, 어머니의 남자친구로부터 폭력과 방임을 당했습니다. 신체적 학대와 무관심으로 인해 정서적 상처는 물론 뇌 손상까지 입게 되었죠. 이러한 성장 환경은 안전감과 신뢰, 그리고 건강한 감정 발달을 빼앗았습니다. “정신 질환이 가장 힘든 점은, 사람들이 마치 없는 것처럼 행동하길 바란다는 거야.” – 아서 플렉 2️⃣ 신경학적 손상과 감정 조절 장애 아서의 가장 뚜렷한 고통 중 하나는 통제 불가능한 웃음 발작입니다. 이는 흔히 신경학적 손상 이후 발생하는 감정 조절 장애(Pseudobulbar Affect) 증상입니다. 영화 속에서도 아서가 어린 시절 학대에 의한 외상성 뇌 손상을 겪었음이 나타나는데, 이로 인해 감정 조절이 어렵고, 실제 감정과 맞지 않는 웃음이나 눈물이 터져나오게 됩니다. 이러한 신경학적 후유증은 기분장애, 사회적 기능 저하, 문제 행동 위험 증가와 밀접한 관련이 있습니다. 3️⃣ 극심한 사회적 고립 아서에게는 진정한 친구도, 의미 있는 인간관계도, 지지해주는 시스템도 없습니다. 그의 사회적 접촉은 어머니를 돌보는 것과 일터, 거리에서의 짧고 어색한 대화에 국한되어 있습니다. 이러한 만성적인 외로움은 그의 우울증을 심화시키고, 현실감과 자존감을 약화시켜 망상과 정서적 불안정에 취약하게 만듭니다. 4️⃣ 정신 질환과 미충족 욕구 영화에서 아서는 명확한 정신 질환 진단명을 받지는 않지만, 중증 정신 건강 문제...

마블의 이터널스(Eternals) 는 오스카 수상 감독 클로이 자오가 연출을 맡아, MCU의 세계관을 신화와 우주적 스케일로 확장하려는 야심찬 작품이었습니다. 하지만 그 웅장함과 시각적 아름다움에도 불구하고, 많은 마블 팬들에게는 다소 실망스러운 영화로 남았습니다. 이번 글에서는 이터널스 에서 마블 팬들이 특히 아쉬워했던 세 가지 장면을 짚어보며, 왜 실망을 안겼는지, 어떻게 달라질 수 있었는지를 분석해봅니다. 1. 감정이 결여된 셀레스티얼 갈등 이터널스 의 가장 큰 기대 포인트 중 하나는 셀레스티얼(Celestials)의 등장입니다. 이 신적인 존재들은 우주의 구조를 형성하며, 마블 세계관의 핵심 축을 담당할 수 있는 존재들이었죠. 하지만 결과적으로는: 아리셈(Arishem)의 등장 장면이 대부분 설명 위주로 제한되었고, 이터널스와 셀레스티얼 간의 갈등은 긴장감이나 감정적 무게감이 부족했으며, '에머전스(Emergence)'라는 세계 종말급 이벤트가 지나치게 빠르게 전개되어 큰 인상을 주지 못했습니다. 셀레스티얼 신화는 더 깊게 탐험 될 수 있었으나, 대부분이 설명으로 대체되며 몰입감을 떨어뜨렸습니다. 뚜렷한 악당이나 드라마틱한 전환이 부족했던 점도 많은 팬들의 아쉬움으로 남았습니다. 2. 존재감 부족한 데비언트 악당들 예고편 속 데비언트(Deviants)는 공포스럽고 변형이 가능한 위협으로 보였습니다. 그러나 본편에서는: 이들의 동기나 목적이 명확하게 드러나지 않았습니다. 리더격인 크로(Kro)는 대사도 적고 성격도 제대로 드러나지 않았습니다. 데비언트와의 전투는 반복적이고 긴장감이 떨어졌습니다. 특히 크로가 지능을 얻고 복수를 다짐하는 과정은 이터널스의 도덕적 고민과 평행을 이룰 수 있는 기회였지만, 너무 허무하게 처리되어 팬들로부터 "굳이 넣을 필요 있었나?"라는 반응을 이끌었습니다. 3. 부족했던 캐릭터 간 케미와 감정 몰입 한 번에 10명의 신규 히어로를 소개한다는 것은 큰 도...

라라랜드(La La Land)는 데이미언 셔젤 감독의 로맨틱 뮤지컬을 넘어서, 색채와 음악을 통해 이야기를 전개하는 마스터클래스라 할 수 있습니다. 영화는 첫 장면부터 가슴 아픈 결말에 이르기까지, 제작의 모든 요소를 활용하여 사랑, 야망, 희생의 감정이 얽힌 서사를 촘촘히 엮어냅니다. 이 글에서는 라라랜드가 어떻게 색채와 음악적 모티프를 사용해 감정을 불러일으키고, 관객이 스토리에 더 깊이 몰입하게 하는지를 살펴봅니다. 색채로 말하는 라라랜드의 시각 언어 라라랜드의 가장 눈에 띄는 특징 중 하나는 원색의 대담한 활용입니다. 특히 빨강, 노랑, 파랑은 무작위로 선택된 것이 아니라, 캐릭터의 감정 변화와 이야기의 흐름을 시각적으로 표현합니다. 오프닝 넘버에서 미아의 노란 드레스 는 희망과 야망을 상징합니다. 세바스찬의 파란 수트 는 그의 재즈에 대한 충실함과 내면의 갈등을 나타냅니다. 빨간 조명이 사용된 장면 은 주로 열정, 전환점, 감정적 충돌을 나타냅니다. 이러한 색상은 영화가 진행됨에 따라 변화합니다. 초반에는 밝고 몽환적인 색조가 주를 이루지만, 현실의 벽에 부딪힐수록 색감은 점점 차분하고 절제된 느낌으로 바뀝니다. 이 시각적 전환은 이상주의에서 성숙한 현실로의 감정 변화를 시적으로 보여줍니다. 음악의 역할: 서사를 이끄는 재즈 라라랜드에서 음악은 단순한 배경이 아니라 감정의 통역사입니다. 저스틴 허위츠의 OST, 특히 ‘Mia & Sebastian’s Theme’는 기쁨과 슬픔을 동시에 표현하는 주요 수단입니다. 반복되는 음악 모티프는 영화가 진행되며 형태를 바꿉니다. 초반에는 희망적이고 가벼우며, 후반부에서는 느려지고 애절해집니다. 재즈는 자유와 즉흥성을 상징하며, 두 주인공의 예측할 수 없는 여정을 반영합니다. 감정의 절정인 상상 속 미래 장면에서는 오케스트라 편곡 버전의 테마가 사용되어, 관객에게 향수와 이루지 못한 가능성의 아픔을 안깁니다. 음악은 등장인물의 감정을 직접적으로 전달하며, 관객이 그 감정을...

인사이드 아웃 2 는 라일리의 감정 여정의 다음 단계를 탐색하며, 새로운 감정들과 도전을 소개합니다. 이 리뷰에서는 속편이 어떻게 강력한 스토리텔링과 시각적 은유를 통해 감정적 성숙에 대한 이해를 심화시키는지를 분석합니다. 라일리의 내면 세계가 확장되는 방식 인사이드 아웃 2 는 전작의 끝에서 이야기를 이어갑니다. 그러나 이제 라일리는 더 이상 어린아이가 아닙니다. 십대가 된 그녀의 내면은 훨씬 더 복잡해졌습니다. 영화는 불안, 질투, 당황스러움과 같은 새로운 감정들을 도입하며, 이는 청소년기의 심리적 혼란을 반영합니다. 이 새로운 감정들은 단지 다양성을 위한 것이 아니라, 나이가 들수록 깊어지는 감정의 본질을 상징합니다. 이야기는 기존 감정들(기쁨, 슬픔, 분노, 두려움, 혐오)과 새로운 감정들을 조화롭게 균형잡아 보여줍니다. 감정적 성숙은 감정을 교체하는 것이 아니라 통합하는 과정임을 보여줍니다. 기쁨을 잃거나 슬픔을 피하는 것이 아니라, 모든 감정이 성장에 기여한다는 사실을 이해하는 것입니다. 감정의 복잡함을 시각적으로 표현한 은유들 픽사는 시각적 스토리텔링으로 유명한데, 인사이드 아웃 2 에서도 그 전통을 이어갑니다. 라일리의 마음은 이제 훨씬 넓고, 더 많은 층을 가진 공간으로 표현됩니다. 예를 들어, 원래의 ‘핵심 기억’은 이제 더 미묘한 감정들의 조합에 의해 영향을 받습니다. 그녀의 ‘자아 감각’ 본부는 더 불안정하고 변화무쌍한 구조로 재설계되어, 십대들이 흔히 겪는 정체성의 혼란을 반영합니다. 특히 인상 깊은 은유는 ‘신념 체계의 방’입니다. 이곳은 라일리 자신에 대한 믿음이 저장되고 수정되는 공간입니다. 한 장면에서는 불안감이 폭발하는 순간, 하나의 신념이 산산조각 나는데, 이는 매우 상징적이고 감정적으로 강하게 다가옵니다. 감정 성장에서 불안의 역할 새로운 감정들 중에서도 불안은 이야기의 중심에 놓여 있습니다. 불안은 단순한 악역이 아니라, 애정과 두려움에서 비롯된 보호자 역할을 하며 라일리를 위험에서 지키려 합니다. 이 표...

크리스토퍼 놀란의 오펜하이머 는 단순한 전기 영화가 아닙니다. 이 작품은 역사의 흐름을 바꾼 한 인물의 내면을 심리적·철학적으로 깊이 있게 탐색합니다. 본 리뷰에서는 이 영화가 천재성과 파괴, 개인의 야망과 윤리적 책임 사이의 긴장을 어떻게 묘사하는지 살펴봅니다. J. 로버트 오펜하이머의 복잡한 초상 놀란의 오펜하이머 는 주인공을 영웅이나 악당으로 그리지 않습니다. 대신 이 영화는 이론물리학자이자 호기심과 야망에 이끌린 인물, 동시에 자신의 창조물이 낳은 결과에 시달리는 인간으로서의 오펜하이머를 보여줍니다. 킬리언 머피가 연기한 오펜하이머는 천재성과 깊은 내적 갈등이 공존하는 인물로, 최근 영화 속 가장 매혹적인 주인공 중 하나입니다. 이 영화는 연대기적으로 이야기를 전개하지 않고, 기억과 심문, 내면의 회상 중심으로 구성됩니다. 이러한 비선형적 구조는 오펜하이머의 균열된 정신 세계를 반영하며, 과학적 자부심과 도덕적 죄책감 사이에서 갈등하는 그의 내적 싸움을 강조합니다. 천재성의 이중성 영화의 중심에는 하나의 질문이 있습니다. 우주의 비밀을 풀 수 있는 지성이, 그 결과를 감당할 수 있을까? 오펜하이머의 지능은 의심의 여지가 없습니다. 그의 양자역학 연구는 맨해튼 프로젝트의 기반이 되었고, 인류 역사에 결정적인 전환점을 만들었습니다. 그러나 영화는 지식 추구가 윤리와 분리될 때, 그것이 파괴로 이어질 수 있음을 묻습니다. 이 테마는 촬영기법에서도 잘 드러납니다. 흑백 장면은 외부의 정치적 심판을, 컬러 장면은 오펜하이머의 감정과 내면 세계를 보여줍니다. 이 대비는 천재성의 이중성을 시각적으로 상징합니다—한 장면에서는 영광, 다음 장면에서는 파멸이 존재합니다. 과학적 발견 속 윤리적 책임 오펜하이머 의 핵심 메시지 중 하나는, 과학 혁신에는 도덕적 책임이 따른다는 점입니다. 영화는 원폭의 파괴력을 직접적으로 보여주진 않지만, 그 여파는 심문 장면과 오펜하이머의 고통스러운 표정을 통해 강하게 전달됩니다. 핵폭탄을 만든 이는 결국 그것이 가져올 ...

2010년 개봉한 데이빗 핀처 감독의 영화 <소셜 네트워크(The Social Network)> 는 페이스북(현 메타)의 탄생과정과 그 중심에 있는 마크 저커버그의 이야기를 다룹니다. 이 영화는 단순히 성공 신화만을 좇는 대신, 비즈니스, 우정, 배신, 그리고 혁신이라는 복잡한 주제들을 엮어내며 관객들에게 깊은 질문을 던집니다. 과연 영화 속 마크 저커버그의 모습은 실제 마크 저커버그와 얼마나 닮아있을까요? 그리고 이 영화는 우리에게 무엇을 이야기하려 했을까요? 영화가 그린 마크 저커버그: 천재성과 인간적인 결함 영화 <소셜 네트워크>는 시작부터 마크 저커버그(제시 아이젠버그 분)를 독특하고 때로는 불친절한 인물로 묘사합니다. 여자친구와의 불화로 시작되는 오프닝 시퀀스는 그가 뛰어난 지적 능력과 달리 사회성이 부족하고, 타인의 감정에 둔감하며, 때로는 냉정하기까지 한 인물임을 보여줍니다. 하버드 대학 기숙사에서 '페이스매쉬(Facemash)'를 개발하는 과정은 그의 천재적인 프로그래밍 능력과 함께, 해킹과 타인의 정보를 무단으로 사용하는 것에 대한 윤리적 인식이 결여되어 있음을 암시합니다. 영화는 저커버그를 비즈니스적 성공을 향한 열망과 인정 욕구가 강한 인물로 그립니다. 그는 아이비리그 특유의 배타적인 사교 클럽에 속하고 싶어 하고, 그 속에서 자신의 존재감을 증명하고자 합니다. 페이스북의 성공은 단순한 돈벌이를 넘어, 그가 세상을 뒤흔들고, 사람들의 인정을 받는 수단이 됩니다. 하지만 이 과정에서 그는 오랜 친구이자 페이스북의 공동 창업자인 에두아르도 세브린을 배신하고, 윙클보스 형제와 법정 다툼을 벌이는 등 비윤리적인 선택을 서슴지 않습니다. 영화 속 마크 저커버그는 외롭고 고독한 천재의 전형처럼 보이기도 합니다. 그는 항상 노트북 앞에 앉아 코드를 짜고, 사람들과의 직접적인 교류보다는 온라인상의 연결에 더 집착하는 듯한 모습을 보입니다. 특히 마지막 장면, 그가 헤어진 여자친구의 페이스북 페이지를 ...

   진짜 공포는 귀신이 아니라, 우리가 외면해온 진실일지도 모릅니다.  침묵을 강요 받은 진실, 그것이 공포의 정체가 아닐까라는 생각을 이 영화  파묘 는 하게 합니다.  1. 가족 저주의 정체는 대물림된 트라우마 영화 속 ‘가족 저주’는 단순한 초자연 설정이 아닙니다. 그것은 세대를 거쳐 내려온 정서적 잔재—말하지 못한 비밀, 억눌린 죄책감, 묵인된 폭력—의 집합체입니다. 이 침묵의 유산은 후손들의 삶과 정신에 연쇄적으로 영향을 끼치며, 결국 현대의 개인까지 짓누릅니다. 영화는 이를 통해 유전적 공포가 DNA뿐 아니라 감정과 기억의 계승일 수 있음을 보여줍니다. 실제로도 많은 가정에서 ‘꺼내지 말자’고 합의된 과거는 시간이 흐를수록 더욱 견고해집니다. 파묘 는 이런 침묵이야말로 공포의 근원임을 시각적으로 설득력 있게 드러내며, 우리가 직면하지 못한 상처가 얼마나 오래 지속될 수 있는지 묻습니다. 2. 조상의 죄, 그리고 지워지지 않는 역사 무덤을 파헤치는 행위는 단순히 영혼을 해방하는 의식이 아니라, 과거의 어두운 기억을 드러내는 과정입니다. 조상의 죄는 묻었다고 끝나지 않습니다. 영화는 전쟁, 식민지배, 가족 간의 배신 같은 역사적 아픔을 은유적으로 끄집어내며, 우리가 외면한 진실이 현재에도 깊은 그림자를 드리우고 있음을 상기시킵니다. 말하지 않았기에 더 깊이 새겨진 기억은 결국 언젠가 표면 위로 떠오르기 마련입니다. 과거를 봉인한 채 ‘잘 살고 있다’고 믿어왔던 이들에게 파묘 는 질문합니다. “과연 그 봉인이 진정한 해결이었는가?” 3. 의식의 상업화와 자본주의의 그림자 영화 속 이장은 무속인, 부동산 거래, 돈 문제가 얽힌 복합적 프로세스로 묘사됩니다. 신성해야 할 의식이 ‘서비스’로 전락하고, 죽은 자의 안식처마저 ‘명당’이라는 상품으로 포장됩니다. 자본은 전통과 신앙의 영역까지 침투해, 영혼조차 편히 쉬지 못하는 현실을 만들어냅니다.  파묘 는 이러한 장면을 통해 문화적 가...